Thin Lizzy - Renegade

Thin Lizzy - Renegade (1981)
Renegade

 先日アイルランドの街並みが中心となった映画を見てて、あぁいいなぁダブリンなぁ〜、なんて思いを馳せながら楽しんでたんだけど、そういえばその映画の中でもThin Lizzyの名前やフィル・リノットの銅像が映ったりしてて、そうだなぁ、ダブリンだもんなぁ…、お国のヒーローだもんなぁ…とか色々と思ってしまった。んで、最近Thin Lizzy聴いてないな、って事もあって久々に登場。

 Thin Lizzyの1981年リリース作品「Renegade」。ギタリストはスコット・ゴーハムとスノーウィー・ホワイトという地味な編成で、それが故に割と黙殺されつつあるアルバムとの印象はある。ってか自分でも結構そうだったし、ほとんど手を伸ばして聴いてたって記憶がない。どうしても中期の派手なのか初期のアコースティック系なのとかになってって、後期のはそもそもあまり手を出さなかったってのはある。ジョン・サイクスになると、それはそれで別物として手を付けるってのはあったから、その狭間に位置するこの辺はホント、回数少なかったな。そんなことを思いつつも流していくんですがね、これがまた実に素晴らしく欲出来ているアルバムで、これぞThin Lizzyじゃないか、ってくらいに最後の最後まで哀愁漂うロックが詰め込まれてた。鍵盤にダーレン・ウォートンが参加してしばらく経つが、このアルバムの初っ端からして鍵盤ありきのサウンドで、どこかこれまでのThin Lizzyとは違う、やや冷たい感触も漂う雰囲気になってることに気づく。それでも、この「Angel Of Death」のクールなスタイルはThin Lizzyが元々持っているアイルランド的な気質がなければ成り立たなかったであろう独特のハードロックサウンドと言えるのでは?この時点でもまだまだ新たな野望とスタイルを追い求めていたフィル・リノットの挑戦が垣間見れる快作。

 一番響くのは最後の「It’s Getting Dangerous」ですかね、これでもかっつうくらいの哀愁メロディが奏でられるこれもまたThin Lizzy特有のスタイルの曲ながらも名曲。地味に目立たないけど、数々の名曲群の中に入れても良いだろうよ、ってくらいの作品。もっともアルバム全体が実は素晴らしいんでもっともっと聴かれて欲しいって思うんですがね。自分でもそれに気づいていなかったんで、コレを機に多分よく手を伸ばすアルバムになるんじゃないかな。この枯れ具合と寒さと疾走感はこれからの季節もそうだし、年頃的にも好ましい感触だしね。いや〜、情けないなぁ…、この素晴らしさを実感しないままに過ごしてたなんて…、と猛省中。やはりThin Lizzyの作品に駄作はない。最初から全部じっくりとまた聴いて楽しもうかな、なんて思い直しているトコロだが、まずは、コイツ、丁度今3回目を聴いてるくらいにはこのセンチメンタルな世界観が気に入っている(笑)。


Tank - Tank

Tank - Tank (1987)
Tank (24bt) (Dig)

 The Damnedから派生したのってThe Lords of New ChurchとTankになるワケだが、どちらもバンドとしてのステータスを確立していったってのは元のバンドにある程度の力量のあるメンバーが参加していたという事で、バンドそのものもそれなりに力量のあったバンドだったってことになる。これがクラッシュやジャム、ピストルズなんかだとそうはならないし、その意味でもThe Damnedというバンドはパンクと呼ばれつつも一番奥深いセンスを内包していたバンドだったのかもしれない。

 The Damendでベースを弾いたことのあるアルジー・ワードが主役となって結成したバンド、Tankは1981年に産声を上げ、そのモーターヘッド的スタイルがNWOBHMという時代性にマッチして、その筋での重要バンドの位置を確立していった。今聴いてもTankのサウンドは腹の底から力が湧いてくるようなサウンドで、メタルでもないしパンクでもないし気骨のあるロックというトコロだろうか、とにかく気合の入る音を出していたのだ。そのサウンドは一貫して変わることなく、どこかで軟弱になつこともなかったし、迷いが生じることもなかった。つまりこれ一本で行きていくぜ、的なバンドだったってことで、その意味ではパンクだったのかもしれないが、今回のアルバム「Tank」は1987年にリリースされていて、5枚目の作品となったアルバムだ。キャッチーな曲など必要ないからこのゴツゴツなスタイルが大いに気に入っているのだが、特に顕著になってきたのはアルジー・ワードの歌うメロディの美しさと言うのか、哀愁ある男臭い歌メロが妙に染み入る。そこがこのTankの愛されるトコロなんだろう、確かにハードなスタイルの音の中にあるにもかかわらず、歌だって男臭いくせにメロディーが良いというのは反則だろ(笑)。

 どうにもジャケットが締まらないのと、前作から3年ほど間が開いているというのもあって、人気のないアルバムみたいだけど、上手くすればこの時代でもヒットする可能性はあったのにな。時代はメタルからハードロックへとシフトしていた頃だし、男臭いのもメタリカを筆頭に受けていた時代だし、そこにこういう音が紹介されていれば飛びついたリスナーも多かっただろうになぁと素人的に想像出来る。ただ、レーベルの倒産危機なんかがあってバンド活動を停止してしまったという逆方向の要因があったみたいで、一旦ココでTankは活動を停止している。勿体無い。Tankのアルバムはホントに最初からここまでどれもガツンと気合の入ったアルバムばかりなのでいつもは聴かないけどたまに聴くと気合入って良いんだよ。このアルバムなんてバラードもあるしさ、評判よりも圧倒的に良い内容を誇るアルバムです。

Ian Gillan Band - Clear Air Turbulence

Ian Gillan Band - Clear Air Turbulence (1977)
鋼鉄のロック魂(紙ジャケット仕様)

 英国B級的バンドのメンツももちろんミュージシャンなのでそういった前歴を経験しながらしっかりとメジャーシーンにも名前が出て来る仕事もしている。そういつトコロでそんな名前を見かけるのは結構面白くて嬉しくなってくるモノだ。別に仕事だからアレだけどさ、ああいうアルバム出してた人が認められてそんなトコロで才能発揮出来てるんなら良かったな、とかそれなら面白いセンスが聴けるかも、とかね。

 Quatermassは伝説のトリオハードロックバンドでしかも鍵盤中心でいながら、の様式美的ハードロックバンドで、アルバム一枚リリースしての解散だったけど今でも根強い人気のあるバンドだ。そのメンツのウチの二人がイアン・ギランのバンドに参加している。バンドの中心人物でベースを弾いているジョン・グスタフソン、それにドラマーのミック・アンダーウッド。前者はイアン・ギラン・バンドで、後者はギランで。今回はIan Gillan Bandの1977年リリースのセカンド・アルバム「Clear Air Turbulence」ってことで、ベースはジョン・グスタフソン、いやはや初っ端からもう何じゃこりゃ?感満載のファンキーなハードロックが展開されるんだけど、そんなベースラインをいきなり弾いてくるか、っつうくらいの面白い作品で単純にハードロックをやって金切り声で叫ぶばかりかと思いきや、随分とけったいなサウンドを出してきたイアン・ギラン、なかなかに驚くべし才能を聴かせてくれている。

 ハードロックばかり聴いていたリスナーに対してのこのアプローチはかなり驚かせたことになるのか、好みじゃねぇ、って一言で切り捨てられたかってトコロだろうけど、随分と音楽的には高尚な世界に駒を進めていった感じで、その中心はジョン・グスタフソンとも言える。うん、こういうセンスの人、結構アチコチでいるんだよね。嬉しい限り。それをコントロールしていったイアン・ギランももちろんチャレンジャーだし、ユニークなスタイルのバンドに仕上がってて、実力派集団の醍醐味が味わえるあたりは頼もしい。





Ritchie Blackmore's Rainbow - Ritchie Blackmore's Rainbow

Ritchie Blackmore's Rainbow - Ritchie Blackmore's Rainbow (1975)
Ritchie Blackmore's Rainbow [ORIGINAL RECORDING REMASTERED]

 日本のハードロック・メタルシーンって概ねレインボウからの影響下が大きいと思ったのはもちろんレインボウを聴いてからの話で、それまではそれこそ日本独自解釈によるメタルシーンみたいに思ってた部分あったんだよね。Zeppelin系列みたいに思うのはなかったからやっぱりレインボウってのは取っ付きやすいバンドだったんだろうと。確かに誰が聴いても、カッコ良いな、って思える曲が多いし、それこそがレインボウの強みなワケだし。

 …ってことでまだ書いてなかったのか、って思ったRitchie Blackmore's Rainbow名義の1975年リリースのファーストアルバム「Ritchie Blackmore's Rainbow」。所詮はELFにいたロニー・ジェイムス・ディオが欲しかっただけの話でシングルからアルバムへと発展させて、その時にELFのメンバーの仕事を重要視したディオの以降を組み込んでバンド形式にしていたけどその実力差は明らかで…みたいな話らしい。実際そうだったんだろうとは思うけど、アルバム聞く限りでは割と多様性に富んだ曲をバンドとしてこなしているあたり、ELFも器用なバンドだったのだろう。それが故に個性が出せなかったのかもしれないが、こうして才能あるミュージシャンはどんどんと同類の人種と融合していくのもまた面白い。その分確実に名盤が生み出されていく率が高まるのだから。

 このアルバムも傑作佳作揃いで、一発でカッコ良いな、って思うのはカバー曲ながらも「Black Sheep of the Family」だろう。そもそもこれがDeep Puprple脱退の理由なんだろうけど、こんだけカッコよく出来たらやってみたいと思うだろうね。ディオの歌声にしてはちょいと軽めになってしまうけど、元々がQuatermassの作品だもんね、凄いセンス。そしてここでのリッチーのギターはソロイスト的なところは控えめで楽曲中心と言うか、曲に合ったソロを展開している方が中心でさすがに自分のバンド的にコンポーザー的な面を出したのか、ギタリスト的にはちょいと寂しいかも。んで、ヤードバーズのカバーで終了するけど、それもこういうカバーとはね…、なかなか普通に英国バンド的にごった煮センスも入ってて面白い。

 このアルバムでロニー・ジェイムス・ディオを獲得して、ELFの面々にも義理立てして、いよいよ本格的にプロのメンツを揃えて快進撃を続けていくのが次作「虹を翔る覇者」からで、その序章としてある種方向性も無視して自身の趣味的に好きなことをやっていたアルバムでもあるか。





Black Sabbath - Mob Rules

Black Sabbath - Mob Rules (1981)
Mob Rules

 バンドってそこまで変化進化してっていいの?いいの、ってのは当然リスナーが付いて来れば良いのだろうけど、一つのバンドがメンバーを変えて音が変わっていって、それでもブランドだけは同じで、看板で売っていく、、みたいなさ、実際をういうの多いから十分通じるんだけど、昔はそんなの皆認めなかったっつうか、どんな良い作品出してもその時点でポリシー無いし裏切られた感が出てくるから売れない作品になるし、駄作と評されてしまうことが多かったんだよね。うん、分かる。

 Black Sabbathの1981年リリースの「Mob Rules」はロニー・ジェイムス・ディオ参加の二枚目のスタジオアルバムだ。そもそもオジーが抜けて、そこにレインボウなディオってどういうバンドになるんだ?と期待半分の中リリースされたのが「Heaven & Hell」で、同じバンド名でやるモンかね、これ?ってくらいの変化があってファンを驚かせたのだが、その流れの二枚目のアルバムとも言うべき作品で、ドラムもビル・ワード抜けてるし、かなりバンドが崩壊時期に近づいている中、今聴いてみれば見事に70年代からのサバスを継承した、それでいてディオの悪魔主義的な歌のスタイルをマッチングさせている素晴らしきアルバム、更にギーザー・バトラーのこれでもかと言わんばかりのベースプレイも素晴らしく際立っているアルバム。ミドルテンポの曲が多いから当然各楽器の目立ち具合もしっかりしてて自己主張がはっきりと出ている。当然ディオも負けていないし、トニー・アイオミも相変わらずのトーンでブレないサバスをやっている。

 確かにこっちがディオ編成最初のアルバムだったら地味で中途半端な作品、ディオが勿体無いなんて声が出てきただろう。それを思うと「Heaven & Hell」というまるでサバスらしからぬ作品が先に出てきたことでのこの「Mob Rules」が生きていると言えるか。そもそもオジー時代の末期も行き詰まってた感はあったワケだし、と思うと色々と符号することもあって、なかなか単に音を聴いているリスナーという視点だけでは分からなかった事が見えてきて、妙に納得したりすることもある。そんなのも含めて聴いててね、かなりの力作でちょいと戻ったなぁ…というのが単純に微笑ましい作品。





Iron Maiden - Somewhere in Time

Iron Maiden - Somewhere in Time (1986)
Somewhere in Time

 都心部がガラガラになり道路からは車が溢れ、長距離電車や飛行機は満員御礼と民族大移動が開催されるこの時期、じっくりとロックを聴いていた方が人生のためかも?とは思わないけど動けないんだからどうしようもないしな…と元来の怠惰性が行動を制御している…、ダメだねぇ(笑)。ちょいとガツンとしたモン聴きたいし、ベースのカッコ良いのも続けたいな、ってことで当然思い付いたのがスティーブ・ハリスですね。

 Iron Maidenの1986年作「Somewhere in Time」。時代的にバブリーな中、シンセやデジタルが出始めて普及してきた頃、ついにメイデンまでもがその並に捉えられたか、と当時はその音色や楽曲のセンスが悪評でもあった部分はあったけど、やっぱりアルバムそのものは全盛期の作品のひとつでもあるワケで、素晴らしい作品が揃っている。どこから聴いてもメイデンらしい、メイデンじゃなきゃ、というフレーズが炸裂しまくってて聴けば聴くほどに名作感が出てくるというアルバム。自分的にはこのギターの音色はちょいと好きではないけど、それ以前にこのかっこよさが響くので、良いかと思える次第。

 それにしてもスティーブ・ハリスのベースの目立ち具合ってのは以前からそうだけど、この手のバンドとしてもかなり珍しい部類に入るよね。ところどころでバキバキと自己主張してくるし、当然クリエイターだから曲の流れを思い切り司っているラインで弾かれている訳で、それに加えてランニング的なお遊びも入ってくるという正にベース中心に聴いていても楽しめるアルバムに仕上がっている、とも言えるか。それはこのアルバムに限らないけど、改めてベースを聴いていくとそう思う。これだけメジャーなメタルバンドでギターの存在感がここまで薄いのはあまり見当たらない気がする(笑)。

 今思うと相当に新しいことにチャレンジしていた時代でもあったのかな、と。NWOBHMの筆頭格だったことで既にそれまでの時代とは異なるバンドではあったけど、パンクとプログレッシブな要素を持ち込み、このアルバムあたりでは更にデジタル・シンセとの融合も果たして本質を変えずにバランスのよい味付けをして時代性を取り入れていくという器用さ、聴いている側はそういうのも含めて本質がブレてなければ楽しめるし、なんとも見事な采配と舌を巻くのみ。だからこそ今でも名盤として挙げられる一枚なんだろう。





Budgie - Nightflight

Budgie - Nightflight (1981)
Nightflight : Expanded

 ロックバンドって基本的に長続きしないもんだったんだ。メンバーはすぐ変わるし、音楽性も勢いだけで出てきてたのも多いから3枚目くらいから持続性が無くなってきてどこ向かうんだ?的なのも多いし、仕事として捉えているバンドはメンバーを変えて継続するんだけどなかなか上手く馴染まなかったりと実に水商売的要素が大きく、ましてやアルバムという作品が残るモンだから評価がいつまでも誰でもが出来てしまうし、やっぱり大変だろうなと。

 Budgieの1981年リリース作品「Nightflight」。もうこの頃Budgieなんて誰も見向きもしなくなってた頃、NWOBHMの波があったことで時勢に合わせた作品をリリースしてBudgieここにあり、の姿を出して盛り返したのがこの頃。古くからのバッジーファンからすると賛否両論に分かれる「Nightflight」だけど、まずはジャケットが全盛期的じゃないですか。んで期待の音だけど、始めに書いておきたいのは、このアルバム、曲順が違ってたら評価が違ってたんじゃないかと言うところ。オープニングにこの大作、と言うかアコースティックなアルペジオから始まるメロディアスでドラマティックなの持ってきてどうすんだ、と。曲そのものは自信の一曲ってだけあって、最後の最後まで、特に最後の展開なんて鳥肌モノなので自信作ってのは分かるけどさ、オープニングにするにはドラマティックすぎた。これはA面ラストかB面ラストだろうよ。

 そんな事を思いつつも一度聴いてしまうとこのオープニングは実にアルバムを期待させる曲になる。シビアなのは以降の曲にそこまでのインパクトが無いってことか。鋼鉄魂満載のバッジー時代からしたらちょいと時代に迎合しすぎた音ではあるけど、それでも結構な気合の入った作品なのは確か。センスも相変わらずのB級だしね。ただ、器用になっちゃったかな、ってのが出てて、魅力が半減したかも。そんな事本人達意識していないだろうから、これはもう生きていく上の弊害だろうし、過去があるからこのアルバムの評価が変わるだけで、単発で見ればそれなりに良いアルバム、じゃないかと思いたい。あぁ、もう一度最初の曲を聴こう…。

Def Leppard - Hysteria

Def Leppard - Hysteria (1987)
ヒステリア

 シモンズドラムか…懐かしいな。80年代にものすごく流行してありとあらゆるトコロで使われていた、ある意味80sの象徴でもあるドラムの音という印象が強い。ところが電子ドラムという機能のおかげで全く異なるアプローチから役に立った事例が合って、その代表的なものがDef Leppardの「Hysteria」というアルバムだろう。ご存知このアルバムの制作前に日事故により左腕切断となってしまったドラマーが仕事を優先して考えた時に出てきた選択肢がソモンズの電子ドラムでのアプローチ、というワケだ。左足でスネアを叩くというロジックは出来たとしても音のバランスを調整するのは明らかに電子ドラムの方がラクだ。右手とのバランスも綺麗に取れるだろうし、実際アルバムを聴いてもそのドラムに違和感はほとんど感じない。見事なものだ。意識して聴くと確かにドラムのタム回しなんてのはないし、幾つかのオブリガードだってちょいと不安定だったりするのはあるからなるほど、というような部分はあるけど気にはならないだろう。

 そんな話題から入りつつも、実際にはこの「Hysteria」がどんだけ世界中で売れまくったアルバムだったか、の方が重要だろうか。自分的にはリアルタイムだったにも拘らず、まるでこのアルバムには興味を持たなかったしデフレパにも興味を持たなかったので、どんだけ売れようがよく分からなかったのだが…。記録だけ見れば12曲中7曲のシングルヒット、しかもロックバンドというよりはAOR代表格的な位置付け、Bon Joviみたいなもんですかね、そんな印象が強かったんだけど、アルバムジャケットにしてもPVにしてもメタルバンド風ではあったので軽々しくは見られなかったんだろう。それでもこの音でどこがハードロックなんだ?ってのがずっとあったな。だからアルバムがどんだけ聴かれていようとも興味を示さなかったってワケだ。

 今となって改めて聴いてみるけど、確かにAOR風味が強いしポップ的でもある。決してハードロックの代表アルバムじゃないけど、苦肉の策からここまでの作品を作り上げ、更に世界で支持されていたのはバンドを強くしただろう。そこからもまた苦難は続くにしてもよく作られたアルバムなのは間違いない。ただしやはり自分的な好みからしたら、対象にはならないかな。突き抜けるならもっと突き抜けても良いし、その度合がなんとも、か。



Dragonforce - Reaching Into Infinity

Dragonforce - Reaching Into Infinity (2017)
リーチング・イントゥ・インフィニティ(初回限定盤)(DVD付)

 新しい系のアルバムってのは音が良くて今の器材に合ってるからそういう意味では実に聴きやすい。それはジャンルとか関係なくてどれもこれも当たり前だけど最新作のアルバム最先端の器材で録音されているからね。もっとも音の善し悪しだけで言えばアナログ時代のが一番ってのもあるけど、やっぱり音そのものの古さは否めないし、既に自分なんかはほぼMacかiPhoneでしか音楽を聴いてないから余計にそう思うんだが、たまにアナログ聴くとやっぱ良いな〜みたいなのはあるね。

 Dragonforceの2017年新作「Reaching Into Infinity」。常に同じようなアルバムと曲が詰め込まれているバンドで、それが特徴的且つそれでもあり得ないだおうろ言わんばかりのブラストビートに美しい歌メロとピロピロでとんでもないギターソロのツイン、今回もやっぱりあり得ないくらいにいつも通りに攻め立ててきてくれます。他の作品と何か違うのか、と言われると困るんだけど、ちょいとミドルテンポなアレンジが加わっていたり、スピードだけでもなくってスピード中心の中に変化の要素としてのリズムが加わった要素が少々多いのとデス声が入ってきた。元々がデスメタルバンドだからおかしくないけどさ、どっちかっつうと明るく楽しいスピード・メタルだからその中にデス声ってのはちょっと意外。もちろん自分もだけど慣れちゃったからこういうのもありかなとは思うが。

 それにしてもホントにいつもながら驚かされるがこのメロディのユニークさ、アルバムずっと聴いてると日本の何かを聴いているような気になるくらいにメロディに共通項がある気がする。日本とDragonforceの相性が良いのは分かるけど、世界レベルでウケているんだからそれもまた不思議な世界観なのだろう。この人達は一体どこまで突き進むのだろう?それでもやっぱり唯一無二の圧倒的存在感は素晴らしい。日本盤だと「Gloria」のカバーの話題が多くてそりゃ秀逸な出来映えだけど、違和感なくこれが収まっていることの方が重要じゃないか?アルバムにマッチしちゃってるってのはDragonforceの味付けが見事に振り掛けられてて違和感ないってことなんだろうけどね。いやはやそれよりもアルバム本編の変化の多様さとスピードを楽しむのが一番だね。自分的にはこのギターソロの嵐は大好きなんで♪





Ten - Ten

Ten - Ten (1996)
テン(紙ジャケット仕様)

 90年代に活躍し始めたバンドやメンバーって既に20年以上のキャリアを持つベテランの域に入って来てて、幾つものプロジェクトやバンドを動かしたりしている。もうひとつのバンドだけで活動するなんてのはほとんど無いんだろうな、と言うかそういう人の流れは昔のJazzと同じようなモノで、ロックの世界もそうなってるんかな、と思う事もしばしば。脱退から新しいバンド、そして再結成から分裂など、色々なパターンがあることを見てきている。あまりそういうの見ていると仕事に対する忠誠心の凄さは目に付くけど、リスナーやファンへの姿勢ってのを疑う時もあるな。

 Tenの1996年のデビューアルバム「Ten」。そもそもはボーカリストのゲイリー・ヒューズのソロアルバムを制作しようって事でゲストメンバーを集めていた時に出会って意気投合したバンドのようだ。自分的にはリアルタイムでは全く聴いてないしバンド名も意識してない英国のハードロックバンドってことで、この辺のは弱いんだろうなぁってのをヒシヒシと実感するが、後の時代になって聴けるんだから、ま、良しでしょ。それにしてもアルバムのオープニングからこのVan Halenのファーストのようなギターのトーンとプレイで聴かせてくれるトコロがどういうバンドなんだろう?とかどういう曲が出て来るんだろ?って期待させるよね。きっとスゲェギターが聴けるバンドなんだろう、とかさ。そしたら結構爽やかなリフト曲が始まって影のあるハードロックが展開されてさ、中音域でのボーカルが大人チックに歌を広げてくれる。

 ファーストアルバムならではのトーンが詰め込まれているなという印象で、ソリッド且つシンプル、そして自分達のプレイをたっぷりとつぎ込んでるのがよくわかるし、余分な音色や化粧なんかは全くしていないから、そのまま出てくる。だからファーストアルバムってのはどのバンドでも好きだ。Tenでもそれは同じく、ましてやキャリアがあっての連中だからこそ新たな一歩として今後のスタンスをきちんと出してるしね、ギターも泣きのメロディたっぷり弾いてるし、基本的に速い曲なんてのはなくて聴かせる曲、メロディを理解してもらえる曲ばかりだ。それでいてギターキッズからも好まれるであろうスタンス、シーンでもそれなりだったのかな、今となっては古さを感じる部分はあるけど、意気込みはしっかり伝わってくる作品。





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物心付いた時からロックが好きでいつぞや何でも聴き漁るようになり、多趣味な生活を過ごしているロックマニア。


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